Patti LuPone in Stephen Sondheims „Company“: Theatre Review

Patti LuPones Auftritt in der neu aufgelegten Produktion von Stephen Sondheims klassischem Musical „Company“ wurde von Kritikern und Publikum gleichermaßen mit Standing Ovations gefeiert. LuPone spielt die Rolle von Joanne, einer zynischen, geradlinigen und urkomischen Figur, die viele als eine der größten Leistungen ihrer Karriere gepriesen haben. Die Show zeigt auch andere bekannte Broadway-Größen wie Katrina Lenk, Kyle Dean Massey und Patti Murin.

Die Geschichte folgt Bobbi, einem 35-jährigen Junggesellen, der darum kämpft, einen Sinn in seinem Leben und seinen Beziehungen zu finden. Obwohl er viele Freunde und potenzielle romantische Partner hat, kann er sich auf keinen von ihnen festlegen. Im Verlauf der Geschichte ist Bobbi gezwungen, seine eigenen Probleme mit Engagement und Beziehungen zu konfrontieren.

Die Leistung von LuPone ist mit einem Wort brillant. Von ihren ausdruckslosen komödiantischen Einzeilern bis hin zu ihren emotionalen Balladen beherrscht sie die Bühne mit einer Kraft, die kaum zu übersehen ist. Ihre Chemie mit den anderen Darstellern wird ebenfalls hoch gelobt, was der Produktion eine einzigartige Dynamik verleiht und sie zu neuen Höhen erhebt.

„Patti LuPone ist eine Naturgewalt, wenn sie Joanne in Stephen Sondheims ‚Company‘ darstellt. Ihre Performance ist elektrisierend und magisch.' ―[u/theaterreviewtyp](https://www.reddit.com/user/theaterreviewguy)

Company ist ein zeitloser Klassiker und diese neu aufgelegte Produktion wird ihm gerecht. Mit einer All-Star-Besetzung und einer strengen Regie ist es kein Wunder, warum die Show von Kritikern und Publikum gleichermaßen so begeisterte Kritiken erhalten hat. Wenn Sie die Show noch nicht gesehen haben, sollten Sie dies so schnell wie möglich tun!

  Patti Lupone und Katrina Lenk Company

Von links: Patti LuPone und Katrina Lenk in „Company“

Unter den vielen Ehrungen das folgte Stefan Sondheim Nach seinem kürzlichen Tod bemerkten mehr als ein Bewunderer die Shows des herausragenden Komponisten und Texters des amerikanischen Musicals Theater in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts tendieren dazu, je nach Alter unterschiedliche Bedeutungsschattierungen zu erlangen. Auch, dass die besten von ihnen offen für Neuinterpretationen sind, wodurch ein nichtlineares Konzept-Musical, das vor 50 Jahren bahnbrechend war, heute in den richtigen Händen immer noch prägnant modern wirkt. Das ist der Fall bei Marianne Elliotts fantasievoll trippigem Update von Unternehmen , die den 35-jährigen Junggesellen Bobby in Bobbie verwandelt, eine Frau, die zwischen Eheängsten und Einsamkeit hin- und hergerissen ist, umgeben von Paaren, die sie drängen, sich niederzulassen.



1970 widersetzte sich das Musical der Konvention, indem es praktisch handlungslos war – eine Reihe von Vignetten, die aus einem halben Dutzend Einaktern des Librettisten George Furth genäht wurden –, aber auch indem es Standardideale der ehelichen Erfüllung in Frage stellte und stattdessen die Aussicht auf lebenslange Gelübde ins Auge fasste nagende Umsicht. Auch die Figur, um die sich damals alles dreht, Bobby, brach mit dem traditionellen Hauptdarsteller, indem er fast als Chiffre, als weitgehend passiver Beobachter, auftrat. Er wägt die Vor- und Nachteile der Beziehungen seines inneren Kreises ab und kommt allmählich zu der Erkenntnis, dass es mehr Gründe gibt, sich der Liebe und Bindung zu öffnen, als allein zu bleiben.

Elliott und Sondheim blieben dem Originalmaterial treu, passten Texte, visuelle Referenzen und Furths Buchszenen an und verwandelten die Show in ein Porträt einer zeitgenössischen Single-Frau, einer Alice im Wunderland mit einem juckenden Zunderfinger, die ihre Unabhängigkeit schätzt, es aber eindeutig ist weder gegen den Druck ihrer Freunde, einen festen Partner zu finden, noch gegen das Ticken ihrer biologischen Uhr. Die Produktion erntete begeisterte Kritiken London im Jahr 2018 ; es ist Broadway Die Übertragung dauerte etwas mehr als eine Woche in den Vorschauen, als die Kinos aufgrund der Pandemiesperre im März 2020 dunkel wurden.

Anderthalb Jahre später taucht die Wiederbelebung als verjüngter Triumph wieder auf, verbunden mit sowohl berührenden als auch stechenden Einsichten und einem klugen Verständnis der komplizierten Mechanik einer Show, die weitgehend abstrakt stattfindet. Elliott bringt eine angenehm leichte Note mit, wenn sie ein Ensemble aus erstklassigen New Yorker Bühnen-Stammgästen anleitet, jede Note von Komödie und Schärfe zu treffen.

Die Designbeiträge von Bunny Christies Bühnenbildern und Kostümen und Neil Austins Beleuchtung sind von unschätzbarem Wert, um das unterteilte, aber sich überschneidende Leben der Charaktere in der „Stadt der Fremden“ zu zeigen. Die Designer und der Regisseur finden auch spielerische Wege, um anzudeuten, dass die Version, die wir von diesen Interaktionen sehen, das ist, was sich in Bobbies Kopf abspielt, während sie über ihre Zukunft nachdenkt, während sie auf die Ankunft ihrer Freunde für eine gefürchtete „Überraschungs“-Party zum 35. Geburtstag wartet. Das Gewicht der sich einmischenden Erwartungen ihrer Altersgenossen, die sich auf sie drängen, macht mit dem zentralen Geschlechtswechsel vielleicht noch mehr Sinn.

Die Inszenierung ist so pulsierend, so lebendig und anregend, mit so viel Cleverness und Humor neu konzipiert, dass selbst eine auffällige Fehlbesetzung ihre Freuden nicht zunichte macht. Das wäre Katrina Lenk, die reinkommt Unanständig und besonders, Der Besuch der Band war eine göttlich rätselhafte Bühnenpräsenz – schwül, anmutig, träge, die einen Schleier der Melancholie mit einem Funken Unfug verband. Letztere Show brachte ihr einen wohlverdienten Tony Award als beste Schauspielerin in einem Musical ein.

So talentiert Lenk aber auch ist, ist dieser langjährige Fan Unternehmen Sie scheint völlig falsch für Bobbie zu sein, unabhängig vom Geschlecht der Figur. Ein dunkler Hauch von Zynismus kann mit diesem rezessiven Protagonisten funktionieren, wie Raul Esparza in der grandiosen Broadway-Wiederbelebung 2006 zeigte. Aber Bobby/Bobbies Sehnsucht muss auch sichtbar sein, und Lenk macht sie unzugänglich. Ohne das Gefühl eines inneren Schmerzes nach etwas emotional Befriedigenderem – eine Qualität, die bei Rosalie Craigs Auftritt als Londoner Hauptdarstellerin nicht fehlt – hat der interne Konflikt, der die Show antreibt, einen Treibstoffmangel. Lenk wirkt meistens distanziert und wirft einen fragenden, manchmal amüsierten Blick auf ihre verheirateten Freunde, während sie in Bezug auf Bobbies eigene Bedürfnisse zu undurchsichtig bleibt.

Das bedeutet, dass ihre Songs – die wehmütige Reflexion von „Someone is Waiting“, die vorsichtige Sehnsucht von „Marry Me a Little“ und die letztendlich hoffnungsvolle, aufgerissene Selbsteinschätzung von „Being Alive“ – die ganze Arbeit machen müssen. Elliott räumt die Bühne, um diese Momente zu verstärken, und lässt Bobbie effektiv allein in einer Leere zurück. Aber Lenk passt auch stimmlich nicht perfekt zu der Rolle, die aus der ursprünglichen Baritonlage transponiert wurde. Ihre Stimme klingt zu schwach, gelegentlich angespannt und trifft auf Tonhöhenprobleme, wenn etwas verlangt wird, das sich einem Gürtel nähert. Sie spielt die Songs mit zu wenig echtem Gefühl. Dies ist die seltene Produktion, die ich gerne noch einmal mit einer Zweitbesetzung sehen würde.

Es ist eine bemerkenswerte Bestätigung der Vision von Elliott – ein Tony-Gewinner für Schlachtross Und Der merkwürdige Vorfall des Hundes in der Nacht , zuletzt am Broadway mit Engel in Amerika – und von den Gaben ihres Ensembles, dass die schützende Zuneigung und Wärme, die die anderen Charaktere für Bobbie zeigen, dazu beiträgt, Lenks Abgeschiedenheit in der Rolle zu mildern. Und es ist ein Beweis für die Kunstfertigkeit des Musicals selbst, dass es auch mit einer nicht idealen Hauptrolle funktioniert.

Bekleidet mit fließenden roten Palazzo-Hosen und Oberteilen schwebt Bobbie von einer neonbesetzten Kiste zur nächsten und „schaut“ irgendwann buchstäblich bei einem Paar vorbei, Peter (Greg Hildreth) und Susan (Rashidra Scott), in ihrem typisch vernachlässigten New York Terrasse, gerade rechtzeitig, damit sie die Nachricht überbringen können, dass sie sich scheiden lassen. Ihr Besuch bei einem anderen Paar beginnt als regelmäßige Geselligkeit, wobei Harry (Christopher Sieber) darum kämpft, auf dem Wagen zu bleiben, während seine konkurrenzfähige Frau Sarah (Jennifer Simard) mit der Tyrannei von Ernährung und Bewegung ringt. Aber sobald die anderen Charaktere anfangen, durch ihr Wohnzimmer zu paradieren und das mit Widerhaken versehene Hochzeitslied „The Little Things You Do Together“ zu singen, und nur Bobbie sie sieht, wird es wieder klar, dass wir in ihrem Kopf sind.

Während dieser Aspekt schon immer in die psychologische Konstruktion der Show eingebaut war, umgeht die Betonung hier die Unwahrscheinlichkeit, dass diese unterschiedlichen New Yorker alle Teil desselben sozialen Kreises sein würden. Sie sind vielleicht nur bloße Bekannte, ihre Zuneigung zu Bobbie ist das Einzige, was sie gemeinsam haben.

Es gibt insgesamt fünf Paare, darunter David (Christopher Fitzgerald) und Jenny (Nikki Renée Daniels), deren Persönlichkeiten ausgetauscht wurden, um ihn zum süßen „Quatsch“ zu machen, der sich unwohl fühlt, wenn Bobbie sie bekifft, während Jenny cool ist und entspannt. Neben der nahtlosen Anpassung, drei von ihnen zu gemischtrassigen Paaren zu machen, besteht die große Veränderung darin, die neurotische Amy und den verliebten Paul in ein schwules Paar zu verwandeln, jetzt Jamie (Matt Doyle) und Paul (Etai Benson).

Dieses Update dient dazu, die Ambivalenz der Show gegenüber der Ehe zu erweitern, indem es den vielen queeren Paaren vertrauten Zweifel an der Übernahme heteronormativer Rituale äußert – insbesondere in den frühen Tagen der Ehegleichheit – wenn Jamie zu seinem langjährigen Lebenspartner sagt: „Nur weil wir es können, heißt das nicht wir sollten.' Es macht auch Sinn, dass Jamie Bobbies beste Freundin sein würde, was einen Moment unangenehmer Zärtlichkeit auslöst, als sie halb im Scherz vorschlägt, dass sie den Bund fürs Leben schließen sollten.

Doyle übernimmt das Eigentum an dem rasanten Hochzeits-Jitter-Song „Getting Married Today“ in einer urkomischen Wirbelsturmwende, die ihn – und möglicherweise auch Jamie – in Schweiß gebadet zurücklässt. Es ist der herausragende Comic-Showstopper der Wiederbelebung, verbessert durch die geniale Inszenierung von Elliott und Christie, die Jamie jedes Mal vor Angst aufschreien lässt, wenn der Priester, der den Gottesdienst leitet (wieder Daniel), aus einem immer unwahrscheinlicheren Ort in der Küche der Jungs auftaucht.

Elliott wählt während der gesamten Produktion in regelmäßigen Abständen das hektische, fast absurde Geschäft an und unterstreicht die eskalierende Verwirrung in Bobbies Kopf. Der Alice im Wunderland Das Thema wird durch den visuellen Gag ihrer winzigen Wohnung vermittelt, die zunächst zu explodieren droht, wenn die gesamte Besetzung darin zusammengepfercht ist, und sie dann zu verschlingen scheint, wenn ihre Geburtstagstorte und silberne Heliumballons zu riesigen Ausmaßen anwachsen und später so miniaturisiert werden, dass sie kaum noch durchkommt die Tür. Die Zahl 35 taucht überall auf, wo sich Bobbie umdreht, von den Luftballons über Straßenadressen bis hin zu Kunstwerken, und quält sie genauso wie der kakophonische Refrain von „Bobbie, Baby“ ihrer Freunde, der hier gespenstisch und körperlos klingt.

Das feierliche „Side by Side by Side“ wird zu einer Teeparty des verrückten Hutmachers, bei der die Schauspieler Tische und Stühle schieben und paarweise die skurrilen Bewegungen des Choreografen Liam Steel vorführen, was Bobbie draußen lässt und mit Bourbon durchtränkt wird. Und die Instrumentalnummer „Tick Tock“ ist einfallsreich als Alptraum inszeniert, in dem Bobbie, die mit dem dummen Flugbegleiter Andy (Claybourne Elder) in ihrem Bett schläft, in einem Crescendo des Alarms zusieht, wie sich vervielfältigende Versionen von ihr selbst stürzen aus dem Raum und schlug alternative Wege für ihre Zukunft vor, wobei die Mutterschaft der schrecklichste von ihnen war.

Andy ist einer von drei Gelegenheitsfreunden, zusammen mit dem Sporthasen PJ (Bobby Conte) und dem Naturliebhaber Theo (Manu Narayan), die ein entzückendes Trio bilden und in „You Could Drive a Person Crazy“ harmonieren, in dem sie ihre Gedanken über Bobbies Unerreichbarkeit harmonieren werden durch ihre eigenen Selbstzweifel gebrochen. Ihr eindringliches Morgen-danach-Lied mit Andy, „Barcelona“, verwässert etwas von der bissigen Kante, die in der Behandlung der Figur, wie sie ursprünglich geschrieben wurde, April, vorhanden ist. Andy zu einem weichherzigen Himbo mit steinharten Bauchmuskeln zu machen, scheint im Jahr 2021 akzeptabler zu sein als die düstere „Stewardess“, deren sentimentales Geschwätz Bobby nur zum Schweigen bringen möchte.

Der einzige Song, der wohl nicht so gut zur Adaption passt, ist „Another Hundred People“, Sondheims zweischneidiger Gruß an Manhattan als eine der am dichtesten besiedelten Städte der Welt, aber oft auch als eine der einsamsten. Elliott handhabt die physische Inszenierung erneut mit blendender Geschicklichkeit, während die riesigen Neonbuchstaben, die den Titel der Show bilden, sich drehen, um sich als U-Bahn-Wagen zu verdoppeln, schließlich wegfallen und sich neu formieren, um „NYC“ zu lesen.

Aber so, wie es ursprünglich von einer von Bobbys Stammgästen, Marta, aufgeführt wurde, entwickelte sich das Lied von ehrfürchtiger Ehrfurcht zu zunehmend verunsicherter Intensität, als der Sänger die schiere Menge von Menschen betrachtete, die jeden Tag in die Stadt strömten – was auf die Schwierigkeit hindeutete, ein echtes Lied zu machen Verbindung mit einem von ihnen. Hier wird es von PJ gesungen, und während Conte sich selbstbewusst durch die zungenbrechenden Texte navigiert, wird die Figur als optimistischer, geselliger Typ mit einem muskulösen Körperbau und einem Männerbrötchen präsentiert, was die unbeschreibliche Einsamkeit des Liedes ziemlich neutralisiert und Traurigkeit.

Die gemischten Gefühle, die einem Großteil von Sondheims Werken so eigen sind, werden in „Sorry-Grateful“ besser bedient, wunderschön gesungen von Sieber, Fitzgerald und Terence Archie als Larry, den drei Ehemännern, die über das Paradoxon der Ehe als Einschränkung und Belohnung nachdenken.

Einige Zuschauer fanden 1970 Furths und Sondheims Herangehensweise an die Ehe einen Hauch zu scharf und unversöhnlich und erinnerten an die Stücke von Edward Albee. Aber Unternehmen ist im Laufe der Jahrzehnte gereift, um eine Welt widerzuspiegeln, in der das Hinterfragen des Gleichgewichts in allen Arten von Beziehungen zu einem offeneren Teil des Gesprächs geworden ist. Während Bobbie die Eigenheiten und Kompromisse überblickt, die ihre Freunde auf Gedeih und Verderb zusammenhalten, ist es vielleicht kein Wunder, dass sie Angst hat.

Die gruseligste von allen und diejenige, deren Verbitterung Bobbie endlich dazu bringt, ehrlich zu sich selbst zu sein, ist Joanne, großartig gespielt von ihr Patti LuPone in einer gebieterischen Sternrunde, um geschätzt zu werden. Älter als der Rest der Bande, einschließlich ihres gutaussehenden, entschlossen hingebungsvollen dritten Ehemanns Larry, trägt Joanne ihren voluminösen Pelzmantel und ihre Juwelen wie eine vom Kampf gezeichnete Kriegerin. Die Verachtung, die sie in „The Ladies Who Lunch“ über Wodka-Stingers für die Ehefrauen von Stepford ausgießt, die verzweifelt versuchen, mit allen neuen und alten kulturellen Trends Schritt zu halten, richtet sich mit gleicher Vehemenz gegen sich selbst.

So sehr sie einen wohlwollenden, quasi mütterlichen Blick auf Bobbie wirft und in das Glück der jüngeren Frau investiert zu sein scheint, Joanne ist eine komplizierte Überlebende des Ehegrabens; sie verachtet Zufriedenheit. Also in einer Show, die so tief in Ambivalenz verankert ist wie Unternehmen , wer könnte Bobbie besser aus ihrer Trägheit reißen als diese fabelhafte, wilde Kreatur? Diese erste Wiederbelebung eines Sondheim-Werks auf einer großen Bühne seit seinem Tod ist vielleicht nicht perfekt, aber verdammt gut.

Ort: Bernard B. Jacobs Theatre, New York Besetzung: Katrina Lenk, Patti LuPone, Matt Doyle, Christopher Fitzgerald, Christopher Sieber, Jennifer Simard, Terence Archie, Etai Benson, Bobby Conte, Nikki Renée Daniels, Claybourne Elder, Greg Hildreth, Manu Narayan, Rashidra Scott, Kathryn Allison, Britney Coleman , Jacob Dickey, Javier Ignacio, Anisha Nagarajan, Heath Saunders Regie: Marianne Elliott Musik und Texte: Stephen Sondheim Buch: Georg Fürth Bühnen- und Kostümbildner: Bunny Christie Lichtdesigner: Neil Austin Sounddesigner: Ian Dickinson für Autograph Illusionen: Chris Fisher Musikalischer Leiter und Betreuer: Joel Fram Orchestrierung: David Cullen Choreograf: Liam Steel Ausführender Produzent: Tim Levy Präsentiert von Elliott & Harper Productions, The Shubert Organization, Catherine Schreiber, Nederlander Presentations, Crossroads Live, Annapurna Theatre, Hunter Arnold, No Guarantees, Jon B. Platt, Michael Watt, John Gore Organization, Tim Levy, Jujamcyn Theatres

FAQ

  • Q: Wie lautet die Rezension von Patti LuPone in Stephen Sondheims „Company“?
  • A: Die Bewertung der Show war im Allgemeinen positiv, und Kritiker lobten die Leistung von LuPone. Auch die Musik und Inszenierung wurden für ihre energiegeladene und dynamische Interpretation von Sondheims klassischem Musical gelobt.
  • Q: Welche Themen behandelt die Show?
  • A: Das Unternehmen untersucht Themen wie Beziehungen, Engagement und Lebensübergänge. Es berührt auch Themen wie Identität, Liebe und die Bedeutung, ein Gleichgewicht im Leben zu finden.

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